Exposición colectiva: Julieta Aranda, Gabriel Acevedo Velarde, Ximena Cuevas, John Bock, Paul MacCarthy, Mike Rogers & Dustin Ericksson y Carles Congost.Curador Willy Kautz Del 7 de octubre al 3 de enero de 2010
Esta exposición se concibe como una plataforma autocrítica. Con el propósito de cuestionar la creencia en el valor de la creación artística, Yo uso perfume para ocupar más espacio reúne tres proyectos artísticos, dos piezas de la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, así como una selección de cinco videos de artistas, a través de un montaje que entremezcla dichos trabajos con productos comerciales de tiendas de museos, libros, películas, caricaturas televisivas, así como notas de prensa y anuncios publicitarios. Estos proyectos y materiales articulan un dispositivo autocrítico que pone en tela de juicio a la figura del artista y los roles en el mundo del arte, suscitando una reflexión en torno a temas tales como: los clichés del artista romántico y bohemio, el poder de la creación y el estatus, la legitimidad moral del arte, la valoración crítica y los discursos, el talento y la creatividad, la responsabilidad del artista contemporáneo, el mercado y la institucionalización del arte, entre otros.
Antes que una selección de obras a partir de una temática o un panorama de las tendencias dominantes en la actualidad, esta exposición se concibe como un espacio de consulta que invita a reflexionar acerca de las estructuras subyacentes al mundo del arte. Los proyectos artísticos que se inscriben en esta muestra parten de procedimientos sociológicos en forma de compilación de documentos y agrupamientos de objetos comunes o comerciales, que archivan medios usados en la construcción de la figura del artista, para inspeccionar la confección de los roles en el mundo del arte y el valor de lo que en él se produce.
La metáfora del perfume se refiere a la institucionalidad del arte. Desde la llamada posmodernidad y su actitud celebratoria, se hizo común aceptar que todo vale artísticamente, una vez que cualquier cosa puede ser una obra de arte y por tanto cualquiera un artista. No obstante, para que semejante alteración se lleve a cabo se requiere del aval institucional. ¿Qué hace que un objeto cualquiera se vuelva una obra de arte o una experiencia estética diferenciada? El perfume se refiere entonces a la facultad que solemos atribuir al cambio de estatus propiciado por la designación artística, es decir, cuando un objeto se presenta como artífice de una experiencia elevada, o también, cuando a una experiencia banal se le adjudica el valor de una excepción artística.
Con el devenir institucional de los procedimientos del arte, los artistas contemporáneos empezaron a fraguar nuevas facetas y maneras para entender su labor y el sentido de sus creaciones. Entre los profesionales del arte ya pocos creen en los mitos románticos del artista iluminado que construye verdades metafísicas. Esto se constata en los trabajos que presentan puntos de vista irónicos respecto a esta creencia sobre la figura del artista y el valor de su trabajo. Asimismo la valoración de los críticos y el rol del curador se ven igualmente afectados por estas dinámicas de autocrítica, las cuales colocan a los criterios de validación bajo sospecha. Hoy el artista contemporáneo se muestra más como una suerte de investigador sui generis quien, a partir de procesos o modelos de conocimiento híbridos y heterogéneos, entona un rol socioprofesional, a veces crítico o autocrítico, en ocasiones en el papel de ironista, pero rara vez un incomprendido romántico aislado del mundo. ¡Si bien siempre hay excepciones!
Si en otra época la creencia en el poder del artista implicaba el reconocimiento de su genialidad y el innatismo del talento, hoy parece más bien que este rol se repliega a su capacidad para entender la institucionalidad del arte o, dicho de otra forma, la racionalidad de los modelos de producción, presentación, circulación y validación que constituyen la visibilidad de lo artístico. Este cambio del régimen del objeto al de procedimientos suele explicarse, por una parte, como consecuencia de las prácticas derivadas del ready-made dadaísta en los sesenta, mientras que, por otra, responde a procesos internos al mundo del arte.
El enunciado Yo uso perfume para ocupar más espacio se debe de entender como una pregunta acerca de los ritos de sociabilidad en los cuales tiene lugar la confección de la institucionalidad artística.
Currículum Vitae de Willi Kautz, curador de la exposiciónWilly kautz es maestro en estética filosófica y curador de arte contemporáneo. Fue curador asociado del Museo Tamayo Arte Contemporáneo, 2001-2004. Entre sus principales exposiciones destacan: co-curador de la exposición Algo con que tropezar: reflexiones en torno a la escultura contemporánea, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México (2001); Fantasmofísica, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México (2001); Cuasi-corpus. Arte concreto y neoconcreto de Brasil. Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México, D.F., MARCO, Monterrey, México (2002); Gordon Matta-Clark: proyectos Anarquitectónicos, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México (2003); Mira Schendel. Continuum amorfo, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México, D.F., MARCO, Monterrey, México (2004); Simplesmente elas exalam, Galería Leme, São Paulo, Brasil (2005); curaduría de la exposición I am he as you are he as you are me and we are all together, Central de Arte, Guadalajara, México (2005); co-curador de Transitio_MX, Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video 01, Imaginarios en tránsito: poéticas y tecnología, Centro Nacional de las Artes, México, D.F. (2005); Deshechos, Casa del Lago, UNAM, México, D.F. (2006).
lunes 14 de septiembre de 2009
Gabinete gráfico Mexicanos en el espacio
Bernardo Fernández (Bef)
Del 7 de octubre al 14 de febrero de 2010
Gabinete gráfico:
En el Gabinete gráfico se presenta Mexicanos en el espacio, del artista Bernardo Fernández (Bef). Muestra en la cual se exhibe una selección de bocetos y trabajos recientes para diversos comics (El Soñador y BROOM!). Historias en donde los personajes reales e imaginarios comparten escena y guión, y cuya narrativa —en el caso de BROOM!— puede ser alterada para lograr diferentes finales. Además se presenta una animación sonora en la que el artista plantea un disparatado viaje de dos astronautas mexicanos a la Luna, pieza que toma como referencia parte de las investigaciones que fueron realizadas para la exposición De la Tierra a la Luna.
Mexicanos en el espacio
El fin del mundo sucedió ayer y nadie se dio cuenta. Hoy, todos se levantaron a trabajar y a esperar la quincena. Todos menos Bef, quien desde hace mucho se dio cuenta que el futuro sólo se puede ver con nostalgia. Así, Bef logra brincar de una dimensión a otra como sus astronautas van brincando de asteroide en asteroide. Ayer era escritor, hoy es artista gráfico y mañana diseñador. Hace historietas que acaban colgadas en las paredes blancas de un museo. Es alquimia del siglo XX: la letra se convirtió en imagen, la imagen en letra. En medio, un catalizador: la cultura basura, "transmogrificada" (según Calvin) en oro. Ahí, en la basura, nuestra realidad: nuestros más profundos miedos, nuestros más profundas ilusiones. Es una de las ventajas de saber que el mundo ya se acabó. Los géneros olvidan sus fronteras. La realidad pierde consistencia. El pasado y el futuro juegan a la ruleta rusa mientras el presente se extiende hacia el infinito.
La narrativa y la iconografía se convierten en un rompecabezas sin solución, y a falta de opciones, se reencuentran en un tórrido y duradero romance. Promiscuidad memética, crímenes metafísicos, virologías mediáticas. ¿Qué pasó primero? ¿Destruimos el planeta y salimos a buscar otro? ¿Nos atacó primero el monstruo con tentáculos y después tomamos el control de la nave? Un robot camina solitario por la superficie baldía de un planeta perdido en el espacio.
Todos sabemos que Hermétiko llegó primero a la luna, y entendemos que el éxito y la fama no son del que llega más lejos, sino del que se las arregla para regresar. En rojo, negro y verde, con líneas gruesas, escasas y expresivas, Bef nos cuenta sobre las ilusiones de un futuro que nunca llegó, pero que gracias a su contundencia y efectividad, se proyecta hacia la eternidad, como muestra de que antes del fin del mundo, alguna vez, tuvimos sentimientos nobles y espíritu aventurero. No hay principio y no hay fin. Sus "fantasmas semióticos", como los llamaría William Gibson, son peligrosos por que parecen inofensivos. Su estatus como representación de sueños públicos y políticos les da una materialidad que vence nuestros sueños individuales.
Así, el futuro se escribió antier. Ayer se acabó el mundo. Hoy regresamos a trabajar. Bef fue el único que se dio cuenta. Mientras tanto, decenas de alienígenas nos observan.
Pepe Rojo (re-mix: cerocuatro.ceronueve.ceronueve.)
Artista:
Bernardo Fernández "Bef" (Ciudad de México, 1972)
Escritor y dibujante de cómics, es diseñador gráfico por la Universidad Iberoamericana, donde también da clases de ilustración. Ha colaborado desde hace 15 años en diversas publicaciones underground y de circulación comercial, escribiendo y dibujando, entre las cuales destacan Día Siete, Nexos, SUB, Chilango y Complot. Fue director de arte de esta última de 1997 a 1999, lo que le valió un Premio Nacional de Periodismo en el área de diseño editorial.
Ha sido llamado "un monero que triunfa como novelista" por el historietista español Ángel de la Calle y "Un Diego Rivera Punk" por la revista Communication Arts.
Del 7 de octubre al 14 de febrero de 2010
Gabinete gráfico:
En el Gabinete gráfico se presenta Mexicanos en el espacio, del artista Bernardo Fernández (Bef). Muestra en la cual se exhibe una selección de bocetos y trabajos recientes para diversos comics (El Soñador y BROOM!). Historias en donde los personajes reales e imaginarios comparten escena y guión, y cuya narrativa —en el caso de BROOM!— puede ser alterada para lograr diferentes finales. Además se presenta una animación sonora en la que el artista plantea un disparatado viaje de dos astronautas mexicanos a la Luna, pieza que toma como referencia parte de las investigaciones que fueron realizadas para la exposición De la Tierra a la Luna.
Mexicanos en el espacio
El fin del mundo sucedió ayer y nadie se dio cuenta. Hoy, todos se levantaron a trabajar y a esperar la quincena. Todos menos Bef, quien desde hace mucho se dio cuenta que el futuro sólo se puede ver con nostalgia. Así, Bef logra brincar de una dimensión a otra como sus astronautas van brincando de asteroide en asteroide. Ayer era escritor, hoy es artista gráfico y mañana diseñador. Hace historietas que acaban colgadas en las paredes blancas de un museo. Es alquimia del siglo XX: la letra se convirtió en imagen, la imagen en letra. En medio, un catalizador: la cultura basura, "transmogrificada" (según Calvin) en oro. Ahí, en la basura, nuestra realidad: nuestros más profundos miedos, nuestros más profundas ilusiones. Es una de las ventajas de saber que el mundo ya se acabó. Los géneros olvidan sus fronteras. La realidad pierde consistencia. El pasado y el futuro juegan a la ruleta rusa mientras el presente se extiende hacia el infinito.
La narrativa y la iconografía se convierten en un rompecabezas sin solución, y a falta de opciones, se reencuentran en un tórrido y duradero romance. Promiscuidad memética, crímenes metafísicos, virologías mediáticas. ¿Qué pasó primero? ¿Destruimos el planeta y salimos a buscar otro? ¿Nos atacó primero el monstruo con tentáculos y después tomamos el control de la nave? Un robot camina solitario por la superficie baldía de un planeta perdido en el espacio.
Todos sabemos que Hermétiko llegó primero a la luna, y entendemos que el éxito y la fama no son del que llega más lejos, sino del que se las arregla para regresar. En rojo, negro y verde, con líneas gruesas, escasas y expresivas, Bef nos cuenta sobre las ilusiones de un futuro que nunca llegó, pero que gracias a su contundencia y efectividad, se proyecta hacia la eternidad, como muestra de que antes del fin del mundo, alguna vez, tuvimos sentimientos nobles y espíritu aventurero. No hay principio y no hay fin. Sus "fantasmas semióticos", como los llamaría William Gibson, son peligrosos por que parecen inofensivos. Su estatus como representación de sueños públicos y políticos les da una materialidad que vence nuestros sueños individuales.
Así, el futuro se escribió antier. Ayer se acabó el mundo. Hoy regresamos a trabajar. Bef fue el único que se dio cuenta. Mientras tanto, decenas de alienígenas nos observan.
Pepe Rojo (re-mix: cerocuatro.ceronueve.ceronueve.)
Artista:
Bernardo Fernández "Bef" (Ciudad de México, 1972)
Escritor y dibujante de cómics, es diseñador gráfico por la Universidad Iberoamericana, donde también da clases de ilustración. Ha colaborado desde hace 15 años en diversas publicaciones underground y de circulación comercial, escribiendo y dibujando, entre las cuales destacan Día Siete, Nexos, SUB, Chilango y Complot. Fue director de arte de esta última de 1997 a 1999, lo que le valió un Premio Nacional de Periodismo en el área de diseño editorial.
Ha sido llamado "un monero que triunfa como novelista" por el historietista español Ángel de la Calle y "Un Diego Rivera Punk" por la revista Communication Arts.
De la Tierra a la Luna
Del 7 de octubre al 14 de febrero 2010
El 16 de julio de 1969 Abel Quezada, Pedro Ferriz y Miguel Alemán Velasco se encontraban en Cabo Kennedy, junto con otros 38 periodistas mexicanos acreditados por la nasa, cubriendo desde la tribuna de prensa el lanzamiento del Apolo 11. Desde el Centro de Control Espacial de Houston, Texas, Jacobo Zabludovsky realizaba conexiones en directo con Miguel Alemán para el canal 2 y 4 de la televisión nacional. Mientras que, desde México, Mario Moreno (Cantinflas) realizaba intervenciones en exclusiva para la Televisión Independiente de México.
De la Tierra a la Luna explora el desarrollo de la difusión y las consecuencias de la recepción en México de la noticia de la llegada del hombre a la Luna, asimismo descubre cómo las reacciones en la prensa y en la radio fueron el reflejo de las retrasmisiones que se hicieron en directo para televisión. La importancia de este evento, sin precedentes en la historia de la comunicación, tuvo también su repercusión en la publicidad, en el cine nacional e internacional y en la orientación temática de la obra plástica de los maestros mexicanos, a finales de la década de los años sesenta.
La exposición se abre al público con un cronograma ilustrado a muro que explica cómo, antes de la llegada del hombre a la Luna, los artistas, poetas y literatos mexicanos se imaginaron la Luna. El recorrido posterior se articula a través de las figuras de Jacobo Zabludovsky, Miguel Alemán, Abel Quezada, Rufino Tamayo y de sus diferentes papeles y motivaciones en la divulgación de los descubrimientos astronómicos a finales de 1960. Por descubrir un ejemplo, la nasa, consciente de que los artistas podían ofrecer a sus logros técnicos una perspectiva y una sensibilidad de la que ninguna cámara sería capaz, creó, desde sus inicios, un programa de visitas a sus instalaciones en el cual participaron Rufino Tamayo, Marcel Duchamp y Roberto Matta.
Un apartado importante lo representan también las aportaciones de nuestro país a la carrera espacial: el lanzamiento de nuestros primeros satélites, la estación Empalme-Guaymas (Sonora) para monitorear los vuelos espaciales y el sistema bicolor simplificado que utilizó la nasa —inventado por el Ingeniero Guillermo González Camarena.
En esta exposición se presenta una selección de 20 piezas de artistas como David Alfaro Siqueiros, Pedro Coronel, Rafael Coronel, Rufino Tamayo, Cordelia Urueta, Lilia Carrillo, Enrique Echeverría, Roger Von Gunten, Gunther Gerszo, Pedro Friedeberg, Luis Ortiz Monasterio y Gabriel Kuri; presentes en diversas colecciones nacionales públicas y privadas. Así como algunos de los cartones originales y fotografías personales de Abel Quezada, tomadas el día del lanzamiento del Apolo 11 en Cabo Kennedy y durante la retrasmisión del alunizaje el 20 de junio de 1969, en su casa de México.
Este proyecto es el resultado de un riguroso trabajo de investigación e importantes colaboraciones profesionales e interinstitucionales con el diario El Universal, Fundación Televisa, inehrm, Telecom-Telégrafos y la Fonoteca Nacional, gracias a las cuales se exhibe también una selección de videos, fotografías, documentos, revistas y periódicos con la cual se evidencia la trascendencia que esta noticia tuvo en nuestro país.
Como parte de las actividades paralelas se presentará, el próximo 5 de noviembre, a las 19:30 horas, en el auditorio 3G del macg, la mesa redonda también titulada De la Tierra a la Luna. En ésta los investigadores participantes en el proyecto —Héctor Orozco, Miguel Ángel Fernández, Angélica García y Gerardo Sifuentes— analizarán con detalle cada uno de los descubrimientos que dieron origen a esta exposición.
El 16 de julio de 1969 Abel Quezada, Pedro Ferriz y Miguel Alemán Velasco se encontraban en Cabo Kennedy, junto con otros 38 periodistas mexicanos acreditados por la nasa, cubriendo desde la tribuna de prensa el lanzamiento del Apolo 11. Desde el Centro de Control Espacial de Houston, Texas, Jacobo Zabludovsky realizaba conexiones en directo con Miguel Alemán para el canal 2 y 4 de la televisión nacional. Mientras que, desde México, Mario Moreno (Cantinflas) realizaba intervenciones en exclusiva para la Televisión Independiente de México.
De la Tierra a la Luna explora el desarrollo de la difusión y las consecuencias de la recepción en México de la noticia de la llegada del hombre a la Luna, asimismo descubre cómo las reacciones en la prensa y en la radio fueron el reflejo de las retrasmisiones que se hicieron en directo para televisión. La importancia de este evento, sin precedentes en la historia de la comunicación, tuvo también su repercusión en la publicidad, en el cine nacional e internacional y en la orientación temática de la obra plástica de los maestros mexicanos, a finales de la década de los años sesenta.
La exposición se abre al público con un cronograma ilustrado a muro que explica cómo, antes de la llegada del hombre a la Luna, los artistas, poetas y literatos mexicanos se imaginaron la Luna. El recorrido posterior se articula a través de las figuras de Jacobo Zabludovsky, Miguel Alemán, Abel Quezada, Rufino Tamayo y de sus diferentes papeles y motivaciones en la divulgación de los descubrimientos astronómicos a finales de 1960. Por descubrir un ejemplo, la nasa, consciente de que los artistas podían ofrecer a sus logros técnicos una perspectiva y una sensibilidad de la que ninguna cámara sería capaz, creó, desde sus inicios, un programa de visitas a sus instalaciones en el cual participaron Rufino Tamayo, Marcel Duchamp y Roberto Matta.
Un apartado importante lo representan también las aportaciones de nuestro país a la carrera espacial: el lanzamiento de nuestros primeros satélites, la estación Empalme-Guaymas (Sonora) para monitorear los vuelos espaciales y el sistema bicolor simplificado que utilizó la nasa —inventado por el Ingeniero Guillermo González Camarena.
En esta exposición se presenta una selección de 20 piezas de artistas como David Alfaro Siqueiros, Pedro Coronel, Rafael Coronel, Rufino Tamayo, Cordelia Urueta, Lilia Carrillo, Enrique Echeverría, Roger Von Gunten, Gunther Gerszo, Pedro Friedeberg, Luis Ortiz Monasterio y Gabriel Kuri; presentes en diversas colecciones nacionales públicas y privadas. Así como algunos de los cartones originales y fotografías personales de Abel Quezada, tomadas el día del lanzamiento del Apolo 11 en Cabo Kennedy y durante la retrasmisión del alunizaje el 20 de junio de 1969, en su casa de México.
Este proyecto es el resultado de un riguroso trabajo de investigación e importantes colaboraciones profesionales e interinstitucionales con el diario El Universal, Fundación Televisa, inehrm, Telecom-Telégrafos y la Fonoteca Nacional, gracias a las cuales se exhibe también una selección de videos, fotografías, documentos, revistas y periódicos con la cual se evidencia la trascendencia que esta noticia tuvo en nuestro país.
Como parte de las actividades paralelas se presentará, el próximo 5 de noviembre, a las 19:30 horas, en el auditorio 3G del macg, la mesa redonda también titulada De la Tierra a la Luna. En ésta los investigadores participantes en el proyecto —Héctor Orozco, Miguel Ángel Fernández, Angélica García y Gerardo Sifuentes— analizarán con detalle cada uno de los descubrimientos que dieron origen a esta exposición.
Ventanilla única
Yoshua Okón Del 7 de octubre al 3 de enero de 2010
El Museo de Arte Carrillo Gil presenta Ventanilla Única, la más reciente exhibición del artista mexicano Yoshua Okón, a inaugurarse el próximo 7 de octubre. Ventanilla única reúne cinco piezas realizadas durante los últimos tres años, nunca antes expuestas en México. Éstas concentran los principios estéticos y conceptuales que Okón, cofundador del proyecto La Panadería (1994-2002), ha desarrollado a lo largo de sus 15 años de carrera.
La muestra está compuesta por instalaciones de video y fotografía, e invita a reflexionar en torno a la complejidad ética del espectador frente a la obra. Ventanilla única advierte la negociación implícita en el contacto de sus piezas con quien las mira: los espectadores se identifican con los personajes que aparecen en las imágenes y vídeos y, en esa identificación provocativa, el sujeto social se vuelve sujeto de autocrítica.
“Ahí es donde la obra tiene un efecto de espejo: tomamos distancia y, así, re aprendemos algo que ya habíamos aprendido.”, explica el artista. Desde sus orígenes griegos, la sátira y el sarcasmo se han caracterizado por un alto nivel de irreverencia crítica. Haciendo uso de estas herramientas, Okón concibe atmósferas ficticias dentro de la realidad cotidiana, trastocándola para hacer un retrato agudo y sugerente de las sociedades modernas. De esta manera, la idiosincracia que caracteriza a estas sociedades es replanteada revelándola producto de trastorno.
El título de la muestra, Ventanilla única, es una alusión directa a las “ventanillas” donde se llevan a cabo transacciones e intercambios de diversa naturaleza. De cierta forma, el artista desea revelar una parte de lo que hay detrás de esas “obscuras” ventanillas y evidenciar los elementos que intervienen en sus acuerdos. Para mayor información sobre el trabajo del artista, puede consultar su página web: www.yoshuaokon.com
Biografía del artista
Yoshua Okón nace en la Ciudad de México en 1970 donde vive y trabaja. Es tutor en Medios Alternativos del Fonca, México. En 2002 recibe la maestría en arte de UCLA con el apoyo de una beca Fulbright. En 1994 funda La Panadería, espacio coordinado por artistas en la Ciudad de México. Entre sus exhibiciones individuales más destacadas se encuentran: Risas enlatadas, Viafarini, Milán, Italia; Subtitled, Städtische Kunsthalle, Munich; Bocanegra, The Project, NY; Gaza Stripper, Herzeliya Museum of Contemporary Art, Israel; Cockfight, Galería Francesca Kaufmann, Milán; Oríllese a la orilla, Art & Public, Ginebra y Lo mejor de lo mejor, La Panadería, México D.F. Entre sus exhibiciones colectivas más destacadas se encuentran: Amateurs, CCA Wattis, San Francisco; Laughing in a Foreign Language, Hayward Gallery, Londres; La era de la discrepancia, MUCA, México, D.F.; Adaptive Behavior, New Museum, NY; Terror Chic, Spruth/Magers, Munich; The Virgin Show, Wrong Gallery, NY; Mexico City: an exhibition about the exchange rates between bodies and values, PS1, MoMA, NY, y Kunstwerke, Berlín. También ha participado en: Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; Bienal de Estambul, Estambul, Turquía; Trienal del ICP, NY; Bienal de California, OCMA, EUA; Torino Triennale, Torino, Italia.
El Museo de Arte Carrillo Gil presenta Ventanilla Única, la más reciente exhibición del artista mexicano Yoshua Okón, a inaugurarse el próximo 7 de octubre. Ventanilla única reúne cinco piezas realizadas durante los últimos tres años, nunca antes expuestas en México. Éstas concentran los principios estéticos y conceptuales que Okón, cofundador del proyecto La Panadería (1994-2002), ha desarrollado a lo largo de sus 15 años de carrera.
La muestra está compuesta por instalaciones de video y fotografía, e invita a reflexionar en torno a la complejidad ética del espectador frente a la obra. Ventanilla única advierte la negociación implícita en el contacto de sus piezas con quien las mira: los espectadores se identifican con los personajes que aparecen en las imágenes y vídeos y, en esa identificación provocativa, el sujeto social se vuelve sujeto de autocrítica.
“Ahí es donde la obra tiene un efecto de espejo: tomamos distancia y, así, re aprendemos algo que ya habíamos aprendido.”, explica el artista. Desde sus orígenes griegos, la sátira y el sarcasmo se han caracterizado por un alto nivel de irreverencia crítica. Haciendo uso de estas herramientas, Okón concibe atmósferas ficticias dentro de la realidad cotidiana, trastocándola para hacer un retrato agudo y sugerente de las sociedades modernas. De esta manera, la idiosincracia que caracteriza a estas sociedades es replanteada revelándola producto de trastorno.
El título de la muestra, Ventanilla única, es una alusión directa a las “ventanillas” donde se llevan a cabo transacciones e intercambios de diversa naturaleza. De cierta forma, el artista desea revelar una parte de lo que hay detrás de esas “obscuras” ventanillas y evidenciar los elementos que intervienen en sus acuerdos. Para mayor información sobre el trabajo del artista, puede consultar su página web: www.yoshuaokon.com
Biografía del artista
Yoshua Okón nace en la Ciudad de México en 1970 donde vive y trabaja. Es tutor en Medios Alternativos del Fonca, México. En 2002 recibe la maestría en arte de UCLA con el apoyo de una beca Fulbright. En 1994 funda La Panadería, espacio coordinado por artistas en la Ciudad de México. Entre sus exhibiciones individuales más destacadas se encuentran: Risas enlatadas, Viafarini, Milán, Italia; Subtitled, Städtische Kunsthalle, Munich; Bocanegra, The Project, NY; Gaza Stripper, Herzeliya Museum of Contemporary Art, Israel; Cockfight, Galería Francesca Kaufmann, Milán; Oríllese a la orilla, Art & Public, Ginebra y Lo mejor de lo mejor, La Panadería, México D.F. Entre sus exhibiciones colectivas más destacadas se encuentran: Amateurs, CCA Wattis, San Francisco; Laughing in a Foreign Language, Hayward Gallery, Londres; La era de la discrepancia, MUCA, México, D.F.; Adaptive Behavior, New Museum, NY; Terror Chic, Spruth/Magers, Munich; The Virgin Show, Wrong Gallery, NY; Mexico City: an exhibition about the exchange rates between bodies and values, PS1, MoMA, NY, y Kunstwerke, Berlín. También ha participado en: Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; Bienal de Estambul, Estambul, Turquía; Trienal del ICP, NY; Bienal de California, OCMA, EUA; Torino Triennale, Torino, Italia.
martes 30 de junio de 2009
Doblar a lo largo de la línea / Fold along the line
Guy Ben-Ner
Del 10 de junio al 30 de agosto
Desde principios de los años noventa, Guy Ben-Ner (Israel, 1969) ha utilizado, como metodología de trabajo, filmaciones de video donde él mismo y su familia actúan como protagonistas. Sus obras plantean una continua negociación entre la creación de la identidad individual y las relaciones existentes entre los sujetos al poner en práctica situaciones de cohabitación. Ben-Ner parte de lo micro para analizar convenciones y arquetipos sociales que convierten sus historias íntimas y personales en pasajes reconocibles para el espectador.
Muchos de los videos se inspiran en guiones, novelas y cuentos populares. El análisis de estos pasajes literarios y cinematográficos le permite explotar las convenciones de la narración fílmica: Cómo contar una historia, cautivar al público a través de una narrativa, mantener un grado de tensión y entretenimiento… Al mismo tiempo, Ben- Ner permea la magia de la ficción mostrándonos sin coerciones las entrañas de lo grabado, sin temor a que podamos darnos cuenta de cada uno de sus trucos. Durante varios años el escenario de las obras fue su pequeño departamento familiar, modificado rústicamente para los rodajes, siempre bajo una estética low tech.
House Hold, inspirado en la película de Robert Bresson, A man escaped, narra la aventura doméstica de Ben-Ner para escapar de la cuna de su hijo, interpretada ésta como una suerte de jaula familiar. O por ejemplo, en Wild boy cambia el escenario provenzal de la película de François Truffaut, El niño salvaje, para investigar sobre las convenciones de la moral en la educación de su vástago menor. En Berkeley´s Island se convierte en el Crusoe de Defoe, para narrarnos una particular historia de naufragio dentro de su casa.
Guy establece diferentes entradas a su obra combinando escenarios reales con situaciones cómicas, donde el absurdo se convierte en la única manera de reflexionar sobre una situación desesperada. La figura disparatada e impávida a la vez nos hace pensar en él como un Buster Keaton moderno.1
Del 10 de junio al 30 de agosto
Desde principios de los años noventa, Guy Ben-Ner (Israel, 1969) ha utilizado, como metodología de trabajo, filmaciones de video donde él mismo y su familia actúan como protagonistas. Sus obras plantean una continua negociación entre la creación de la identidad individual y las relaciones existentes entre los sujetos al poner en práctica situaciones de cohabitación. Ben-Ner parte de lo micro para analizar convenciones y arquetipos sociales que convierten sus historias íntimas y personales en pasajes reconocibles para el espectador.
Muchos de los videos se inspiran en guiones, novelas y cuentos populares. El análisis de estos pasajes literarios y cinematográficos le permite explotar las convenciones de la narración fílmica: Cómo contar una historia, cautivar al público a través de una narrativa, mantener un grado de tensión y entretenimiento… Al mismo tiempo, Ben- Ner permea la magia de la ficción mostrándonos sin coerciones las entrañas de lo grabado, sin temor a que podamos darnos cuenta de cada uno de sus trucos. Durante varios años el escenario de las obras fue su pequeño departamento familiar, modificado rústicamente para los rodajes, siempre bajo una estética low tech.
House Hold, inspirado en la película de Robert Bresson, A man escaped, narra la aventura doméstica de Ben-Ner para escapar de la cuna de su hijo, interpretada ésta como una suerte de jaula familiar. O por ejemplo, en Wild boy cambia el escenario provenzal de la película de François Truffaut, El niño salvaje, para investigar sobre las convenciones de la moral en la educación de su vástago menor. En Berkeley´s Island se convierte en el Crusoe de Defoe, para narrarnos una particular historia de naufragio dentro de su casa.
Guy establece diferentes entradas a su obra combinando escenarios reales con situaciones cómicas, donde el absurdo se convierte en la única manera de reflexionar sobre una situación desesperada. La figura disparatada e impávida a la vez nos hace pensar en él como un Buster Keaton moderno.1
viernes 15 de mayo de 2009
Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000
Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000
Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960-2000
Del 27 de mayo—16 de agosto, 2009
El Museo del Barrio, la institución cultural latina y latinoamericana más importante de Nueva York, se complace en anunciar la inauguración de una gira internacional para su innovadora exposición Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960 – 2000, Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000, que iniciará, a partir del 27 de mayo y hasta el 16 de agosto de 2009, en el Museo de Arte Carrillo Gil de la Ciudad de México. Alabada por el New York Times como “una exposición etérea (que) representa un enorme paso en el estudio del arte conceptual o no-objetivo de Latinoamérica”, Arte ≠ Vida presenta —por primera vez— un vasto panorama de acciones performáticas creadas durante los últimos cincuenta años por artistas latinos en los Estados Unidos, así como creadores de Puerto Rico, República Dominicana, Cuba, México y Centro y Sudamérica.
Bajo la curaduría de Deborah Cullen, directora de Programas de Curaduría de El Museo del Barrio, Arte ≠ Vida fue inaugurada en el Museo del Barrio en 2008, después de recibir en 2006 el prestigioso Emily Hall Tremaine Exhibition Award. A raíz de su tremendo éxito, pronto captó la admiración de varios museos en distintos países, los cuales pidieron ansiosamente que se ofreciera una gira internacional.
Por medio de un rico y dinámico programa de fotografías, videos, textos, objetos efímeros, utilería y piezas que hacen referencia a obras canónicas, esta exposición marca un hito en la documentación del arte acción. Arte ≠ Vida expande las descripciones tradicionales del performance, revelando cómo obras creadas por artistas caribeños, latinos y latinoamericanos no se limitaron a la dramatización, sino que también se involucraron en la politización. Un catálogo de la muestra es la primera publicación en documentar, de manera sistemática, este segmento del arte performativo. "El Museo del Barrio posee una larga trayectoria en la concepción y realización de exposiciones que promueven un conocimiento más profundo del arte y la cultura del Caribe y América Latina", dice Julián Zugazagoitia, director del mismo. “Este proyecto continúa nuestra misión de presentar a un público más amplio las contribuciones de América Latina al arte performativo. En su contexto histórico, es también particularmente significativo, ya que incluye la obra del fundador y primer director de El Museo del Barrio, Raphael Montañez Ortiz, quien era ya un artista líder antes de la fundación del museo en 1969."
Muchas de las obras incluidas en la exposición hacen referencia, de manera explícita o sutil, a contextos y contenidos políticos: dictaduras militares, guerras civiles, desaparición de personas, invasiones, brutalidad, censura, luchas por los derechos civiles, cuestiones de inmigración, discriminación así como dificultades económicas que han afectado a los países de origen de los artistas a lo largo de las últimas cuatro décadas y, por tanto, han penetrado en sus conciencias. Según la curadora, Deborah Cullen, “el título de la exposición, Arte ≠ Vida, problematiza el lugar común de que el arte es equivalente a la vida y la vida es arte. Lo que muchas de estas obras sugieren es que aunque el arte afirma y celebra la vida con una fuerza regeneradora y afina y provoca nuestro sentido crítico, las acciones de arte que abordan la desigualdad y los conflictos no equivalen a la vida real vivida bajo circunstancias de represión”.
Unos 116 artistas y colectivos están representados en Arte ≠ Vida, incluyendo: ASCO, Tania Bruguera, CADA, Lygia Clark, Papo Colo, Juan Downey, Rafael Ferrer, Guillermo Gómez-Peña, Alberto Greco, Alfredo Jaar, Tony Labat, Ana Mendieta, Marta Minujín, Raphael Montañez-Ortiz, Hélio Oiticica, Tunga y artistas contemporáneos practicantes del género como Francis Alÿs, Coco Fusco, Regina José Galindo, Teresa Margolles y Santiago Sierra. La exposición está organizada en cuatro secciones principales, en las cuales cada década está representada por varios temas específicos que, con frecuencia, cruzan las fronteras de lo nacional. 1960-1970 aborda una selección de precursores tales como el señalamiento, el destructivismo y el neoconcretismo; 1970-1980 se aproxima a la protesta política, la lucha de clases, los happenings, las relaciones entre tierra y cuerpo y el franqueo de fronteras; 1980-1990 se enfoca en protestas contra las dictaduras y en paisajes de ensueño; finalmente 1990-2000 hace referencia al Quinto Centenario, el multiculturalismo, el posmodernismo y la persistencia. Una sección más presenta intervenciones que algunos artistas han realizado en la televisión durante los últimos veinte años. Dentro de estos núcleos cronológicos y temáticos, los espectadores podrán explorar las interconexiones entre las acciones de distintos artistas así como las oleadas de actividad desencadenadas por acontecimientos específicos en ciertos países.
La publicación de un catálogo documental bilingüe inglés-español complementa la exposición Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000 y estará a la venta en el Museo de Arte Carillo Gil; además esta disponible en http://www.artbook.com/9781882454259.html. El catálogo presenta un panorama cronológico y permite que tanto voces establecidas como emergentes aborden, a fondo, cada una de las diez regiones representadas en la exposición. Publicado por El Museo del Barrio y distribuido por D.A.P., el volumen también cuenta con una cronología detallada, breves biografías de los artistas y una bibliografía.
Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000 ha sido posible gracias a la beca Emily Hall Tremaine Exhibition Award y al apoyo de la Jacques and Natasha Gelman Trust.
Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960-2000
Del 27 de mayo—16 de agosto, 2009
El Museo del Barrio, la institución cultural latina y latinoamericana más importante de Nueva York, se complace en anunciar la inauguración de una gira internacional para su innovadora exposición Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960 – 2000, Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000, que iniciará, a partir del 27 de mayo y hasta el 16 de agosto de 2009, en el Museo de Arte Carrillo Gil de la Ciudad de México. Alabada por el New York Times como “una exposición etérea (que) representa un enorme paso en el estudio del arte conceptual o no-objetivo de Latinoamérica”, Arte ≠ Vida presenta —por primera vez— un vasto panorama de acciones performáticas creadas durante los últimos cincuenta años por artistas latinos en los Estados Unidos, así como creadores de Puerto Rico, República Dominicana, Cuba, México y Centro y Sudamérica.
Bajo la curaduría de Deborah Cullen, directora de Programas de Curaduría de El Museo del Barrio, Arte ≠ Vida fue inaugurada en el Museo del Barrio en 2008, después de recibir en 2006 el prestigioso Emily Hall Tremaine Exhibition Award. A raíz de su tremendo éxito, pronto captó la admiración de varios museos en distintos países, los cuales pidieron ansiosamente que se ofreciera una gira internacional.
Por medio de un rico y dinámico programa de fotografías, videos, textos, objetos efímeros, utilería y piezas que hacen referencia a obras canónicas, esta exposición marca un hito en la documentación del arte acción. Arte ≠ Vida expande las descripciones tradicionales del performance, revelando cómo obras creadas por artistas caribeños, latinos y latinoamericanos no se limitaron a la dramatización, sino que también se involucraron en la politización. Un catálogo de la muestra es la primera publicación en documentar, de manera sistemática, este segmento del arte performativo. "El Museo del Barrio posee una larga trayectoria en la concepción y realización de exposiciones que promueven un conocimiento más profundo del arte y la cultura del Caribe y América Latina", dice Julián Zugazagoitia, director del mismo. “Este proyecto continúa nuestra misión de presentar a un público más amplio las contribuciones de América Latina al arte performativo. En su contexto histórico, es también particularmente significativo, ya que incluye la obra del fundador y primer director de El Museo del Barrio, Raphael Montañez Ortiz, quien era ya un artista líder antes de la fundación del museo en 1969."
Muchas de las obras incluidas en la exposición hacen referencia, de manera explícita o sutil, a contextos y contenidos políticos: dictaduras militares, guerras civiles, desaparición de personas, invasiones, brutalidad, censura, luchas por los derechos civiles, cuestiones de inmigración, discriminación así como dificultades económicas que han afectado a los países de origen de los artistas a lo largo de las últimas cuatro décadas y, por tanto, han penetrado en sus conciencias. Según la curadora, Deborah Cullen, “el título de la exposición, Arte ≠ Vida, problematiza el lugar común de que el arte es equivalente a la vida y la vida es arte. Lo que muchas de estas obras sugieren es que aunque el arte afirma y celebra la vida con una fuerza regeneradora y afina y provoca nuestro sentido crítico, las acciones de arte que abordan la desigualdad y los conflictos no equivalen a la vida real vivida bajo circunstancias de represión”.
Unos 116 artistas y colectivos están representados en Arte ≠ Vida, incluyendo: ASCO, Tania Bruguera, CADA, Lygia Clark, Papo Colo, Juan Downey, Rafael Ferrer, Guillermo Gómez-Peña, Alberto Greco, Alfredo Jaar, Tony Labat, Ana Mendieta, Marta Minujín, Raphael Montañez-Ortiz, Hélio Oiticica, Tunga y artistas contemporáneos practicantes del género como Francis Alÿs, Coco Fusco, Regina José Galindo, Teresa Margolles y Santiago Sierra. La exposición está organizada en cuatro secciones principales, en las cuales cada década está representada por varios temas específicos que, con frecuencia, cruzan las fronteras de lo nacional. 1960-1970 aborda una selección de precursores tales como el señalamiento, el destructivismo y el neoconcretismo; 1970-1980 se aproxima a la protesta política, la lucha de clases, los happenings, las relaciones entre tierra y cuerpo y el franqueo de fronteras; 1980-1990 se enfoca en protestas contra las dictaduras y en paisajes de ensueño; finalmente 1990-2000 hace referencia al Quinto Centenario, el multiculturalismo, el posmodernismo y la persistencia. Una sección más presenta intervenciones que algunos artistas han realizado en la televisión durante los últimos veinte años. Dentro de estos núcleos cronológicos y temáticos, los espectadores podrán explorar las interconexiones entre las acciones de distintos artistas así como las oleadas de actividad desencadenadas por acontecimientos específicos en ciertos países.
La publicación de un catálogo documental bilingüe inglés-español complementa la exposición Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000 y estará a la venta en el Museo de Arte Carillo Gil; además esta disponible en http://www.artbook.com/9781882454259.html. El catálogo presenta un panorama cronológico y permite que tanto voces establecidas como emergentes aborden, a fondo, cada una de las diez regiones representadas en la exposición. Publicado por El Museo del Barrio y distribuido por D.A.P., el volumen también cuenta con una cronología detallada, breves biografías de los artistas y una bibliografía.
Arte ≠ Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 – 2000 ha sido posible gracias a la beca Emily Hall Tremaine Exhibition Award y al apoyo de la Jacques and Natasha Gelman Trust.
martes 31 de marzo de 2009
Interser0, Encuentro Internacional de Arte Acción
Es el resultado de una creciente inquietud entre el gremio de artistas del arte acción en México por crear una plataforma de discusión sobre temáticas relativas a esta forma de arte, desde cualquiera de sus modalidades: performance de cámara, performance-instalación, intervenciones públicas, procesos, etc. Interser0 trata de concentrar —a través de una pequeña muestra de artistas y obras relacionadas en un cruce de tendencias— conceptos, posiciones, maneras y actitudes que nos permitan identificar el epicentro cultural de las problemáticas propuestas. El objetivo es ampliar el marco contextual de las obras e identificar los aspectos que conforman el círculo cultural, social y político en el cual se ubican.
Interser0 se divide en dos eventos propuestos por la artista y curadora Elvira Santamaría: El tiempo no existe, la creación del tiempo, —a desarrollarse durante el mes de abril— y El Hedonismo en el performance —a desarrollarse durante el mes de junio—. Esta propuesta está pensada desde un enfoque antropológico-artístico-cultural, tomando en cuenta la gran afluencia e influencia de nuevos conceptos, valores y narrativas contraculturales, desde el ámbito del saber científico, tecnológico y filosófico, así como desde plataformas interdisciplinarias.
Las prácticas artísticas contemporáneas promueven, en mayor o menor medida, narrativas contraculturales en un afán por afirmar un terreno de libertad en el campo del arte. En las prácticas performáticas, el terreno del arte se abre como una plataforma política de confrontación de las ideas que encarna. Así pues, este evento se propone como la plataforma de encuentro y discusión de viejas problemáticas bajo nuevos enfoques y realizaciones artísticas.
Para El tiempo no existe, la creación del tiempo (14 al 18 de abril), contaremos con los performances de los artistas: Alastair MacLennan (Irlanda del Norte), Kurt Johannessen (Noruega), Diana Olalde (México), Flavio Montessoro (México) y Omar González (México).
Interser0 se divide en dos eventos propuestos por la artista y curadora Elvira Santamaría: El tiempo no existe, la creación del tiempo, —a desarrollarse durante el mes de abril— y El Hedonismo en el performance —a desarrollarse durante el mes de junio—. Esta propuesta está pensada desde un enfoque antropológico-artístico-cultural, tomando en cuenta la gran afluencia e influencia de nuevos conceptos, valores y narrativas contraculturales, desde el ámbito del saber científico, tecnológico y filosófico, así como desde plataformas interdisciplinarias.
Las prácticas artísticas contemporáneas promueven, en mayor o menor medida, narrativas contraculturales en un afán por afirmar un terreno de libertad en el campo del arte. En las prácticas performáticas, el terreno del arte se abre como una plataforma política de confrontación de las ideas que encarna. Así pues, este evento se propone como la plataforma de encuentro y discusión de viejas problemáticas bajo nuevos enfoques y realizaciones artísticas.
Para El tiempo no existe, la creación del tiempo (14 al 18 de abril), contaremos con los performances de los artistas: Alastair MacLennan (Irlanda del Norte), Kurt Johannessen (Noruega), Diana Olalde (México), Flavio Montessoro (México) y Omar González (México).
miércoles 11 de marzo de 2009
Microscopias
Del 25 de marzo al 16 de agosto de 2009, Microscopías representa un ensayo sobre las formas orgánicas de los lenguajes abstractos, que toma como referencia teórica la conferencia titulada: Lo natural en el arte abstracto, que ofreció el Dr. Carrillo Gil en el Palacio de Bellas Artes en 1963.
El argumento principal de su tesis versa sobre la relación de los lenguajes abstractos con determinadas formas de la microbiología y la anatomía humana. El origen de esta preocupación estética surge como resultado de la observación científica de placas microscópicas, así como de un análisis comparativo en donde concurren su formación médica con su pasión por la historia del arte y el coleccionismo. Esta exposición ilustra sus pensamientos teóricos sobre el arte abstracto y hace visible, a través de una selección de obras del la Colección MACG la realidad invisible de la naturaleza.
La exposición se abre con un cronograma ilustrado a muro en donde se contextualizan todos aquellos acontecimientos históricos que fueron determinantes para el nacimiento y el desarrollo, en México, del arte abstracto. El recorrido posterior se estructura con base en un ordenamiento experimental del acervo abstracto de este museo, que se aleja de los tradicionales criterios de selección temáticos o cronológicos, para privilegiar conexiones estéticas y afinidades artísticas en el observador que permitirán generar nuevos discursos y reinterpretaciones de alguna de las piezas más importantes de Gunther Gerszo y Wolfgang Paalen, presentes en la Colección macg.
En el caso de las obras de Gunther Gerzso, la importancia de la naturaleza tiene su origen en los viajes que realizó en busca de locaciones con el cineasta Luis Buñuel; y su construcción en el lienzo de las grandes simetrías planas de la arquitectura maya. Esta experiencia y el ejercicio de su propia imaginación permitieron que, a principio de los años sesenta, realizara la serie de paisajes de la Grecia antigua que se encuentran presentes en esta muestra. Estructuras antiguas, de 1955, es una de las obras representativas de este periodo; en ella se conjugan formas y volúmenes que provienen de la observación de la naturaleza y la arquitectura. Por otro lado, las obras del periodo abstracto de Paalen se caracterizan por grandes planos de color o superficies y líneas escuetas, detrás de las cuales se descubren formas orgánicas cuyo origen se encuentra en algunas culturas primitivas.
El argumento principal de su tesis versa sobre la relación de los lenguajes abstractos con determinadas formas de la microbiología y la anatomía humana. El origen de esta preocupación estética surge como resultado de la observación científica de placas microscópicas, así como de un análisis comparativo en donde concurren su formación médica con su pasión por la historia del arte y el coleccionismo. Esta exposición ilustra sus pensamientos teóricos sobre el arte abstracto y hace visible, a través de una selección de obras del la Colección MACG la realidad invisible de la naturaleza.
La exposición se abre con un cronograma ilustrado a muro en donde se contextualizan todos aquellos acontecimientos históricos que fueron determinantes para el nacimiento y el desarrollo, en México, del arte abstracto. El recorrido posterior se estructura con base en un ordenamiento experimental del acervo abstracto de este museo, que se aleja de los tradicionales criterios de selección temáticos o cronológicos, para privilegiar conexiones estéticas y afinidades artísticas en el observador que permitirán generar nuevos discursos y reinterpretaciones de alguna de las piezas más importantes de Gunther Gerszo y Wolfgang Paalen, presentes en la Colección macg.
En el caso de las obras de Gunther Gerzso, la importancia de la naturaleza tiene su origen en los viajes que realizó en busca de locaciones con el cineasta Luis Buñuel; y su construcción en el lienzo de las grandes simetrías planas de la arquitectura maya. Esta experiencia y el ejercicio de su propia imaginación permitieron que, a principio de los años sesenta, realizara la serie de paisajes de la Grecia antigua que se encuentran presentes en esta muestra. Estructuras antiguas, de 1955, es una de las obras representativas de este periodo; en ella se conjugan formas y volúmenes que provienen de la observación de la naturaleza y la arquitectura. Por otro lado, las obras del periodo abstracto de Paalen se caracterizan por grandes planos de color o superficies y líneas escuetas, detrás de las cuales se descubren formas orgánicas cuyo origen se encuentra en algunas culturas primitivas.
miércoles 7 de enero de 2009
Quorum Power
Del 25 de febrero al 20 de mayo de 2009, El Museo de Arte Carrillo Gil presenta Quorum Power, con performance en vivo, única presentación el 25 de febrero a las 19:30 hrs., proyecto del artista plástico Gabriel Acevedo Velarde (Perú, 1976), quien residió durante varios años en México, donde completó sus estudios artísticos en la UDLAP, Universidad de las Américas Puebla. Hace apenas un año y medio decidió moverse a la ciudad de Berlín, Alemania, donde sigue desarrollando su trabajo definido fundamentalmente en el campo del dibujo, video y animación. En esta exposición que permanecerá en el 3er piso del MACG del 25 de febrero al 20 de mayo, el artista muestra el trabajo desarrollado en los últimos dos años, donde combina acciones en vivo con propuestas videográficas.
El trabajo de Gabriel Acevedo se ha centrado en la producción de imágenes y animaciones que enmarcan e inciden en la formación de sujetos colectivos. Con ironía y agudeza, el artista narra a través de situaciones extremas problemáticas actuales, despojadas de contexto y protagonizadas por personajes diversos. Muchos de sus guiones están relacionados con el miedo o la angustia ante circunstancias de abuso de poder o desintegración de la autonomía personal.
En Quorum Power, Acevedo decide proyectarse desde una posición más autobiográfica donde evidencia los procesos selectivos de la memoria interior, los sueños y percepciones fenomenológicas para mostrarnos su manera íntima y personal de significar el mundo. La política de las interacciones afectivas y la particularidad de los intercambios a pequeña escala son los campos de acción que le permiten repensar formas de agencia en lo político que aún son asibles desde la intimidad del individuo.
La muestra se compone de una video instalación principal en dos canales y tres videos, que muestran los procesos e ideas de trabajo como si se tratase de una suerte de diario personal. La soledad, el aislamiento, la euforia y sobre todo el amor, aparecen como ejes abstractos para componer las formas visuales y sonoras.
En la video instalación que da nombre a la muestra, Quorum Power, y que se despliega en casi la totalidad del espacio expositivo convirtiendo la sala del MACG en un pequeño foro de conciertos, el artista crea una atmósfera sensorial que investiga su accionar con los demás y el entorno físico. Las imágenes aparecen entrelazadas como si fueran el guión arbitrario de un sueño que sigue el fluir de la frecuencia cardiaca; Acevedo utiliza su propia voz, a veces en tiempo real otras modificada por medio de un sampler, para dirigir orgánicamente el curso de los acontecimientos de las acciones videográficas.
El trabajo de Gabriel Acevedo se ha centrado en la producción de imágenes y animaciones que enmarcan e inciden en la formación de sujetos colectivos. Con ironía y agudeza, el artista narra a través de situaciones extremas problemáticas actuales, despojadas de contexto y protagonizadas por personajes diversos. Muchos de sus guiones están relacionados con el miedo o la angustia ante circunstancias de abuso de poder o desintegración de la autonomía personal.
En Quorum Power, Acevedo decide proyectarse desde una posición más autobiográfica donde evidencia los procesos selectivos de la memoria interior, los sueños y percepciones fenomenológicas para mostrarnos su manera íntima y personal de significar el mundo. La política de las interacciones afectivas y la particularidad de los intercambios a pequeña escala son los campos de acción que le permiten repensar formas de agencia en lo político que aún son asibles desde la intimidad del individuo.
La muestra se compone de una video instalación principal en dos canales y tres videos, que muestran los procesos e ideas de trabajo como si se tratase de una suerte de diario personal. La soledad, el aislamiento, la euforia y sobre todo el amor, aparecen como ejes abstractos para componer las formas visuales y sonoras.
En la video instalación que da nombre a la muestra, Quorum Power, y que se despliega en casi la totalidad del espacio expositivo convirtiendo la sala del MACG en un pequeño foro de conciertos, el artista crea una atmósfera sensorial que investiga su accionar con los demás y el entorno físico. Las imágenes aparecen entrelazadas como si fueran el guión arbitrario de un sueño que sigue el fluir de la frecuencia cardiaca; Acevedo utiliza su propia voz, a veces en tiempo real otras modificada por medio de un sampler, para dirigir orgánicamente el curso de los acontecimientos de las acciones videográficas.
jueves 18 de diciembre de 2008
W&W: WORK&WORDS (1997-2008)
W&W: WORK&WORDS (1997-2008) presenta un recorrido por la obra de María Ruido (Orense, España, 1967), desde 1997 hasta 2008, periodo en el cual esta artista ha fraguado un cuerpo de trabajo como productora cultural alrededor de aquellos elementos (poder, memoria, imaginario, etc.) que inciden en la construcción de los sujetos políticos.
En esta muestra se podrá observar desde los performances de los años noventa, caracterizados por la influencia del pensamiento y la práctica feminista, hasta piezas videográficas actuales que se conforman como “ensayos visuales” en los cuales María Ruido estudia algunas situaciones paradigmáticas de la sociedad, la economía y la política contemporáneas.
Esta Exposición se realiza gracias al trabajo conjunto entre el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (cgac), Santiago de Compostela, España, y el Museo de Arte Carrillo Gil, con la curaduría de Carles Guerra y Andrés Hispano
Esta exposición se realiza gracias a la colaboración de SEACEX (SOCIEDAD ESTATAL PARA LA ACCION CULTURAL EXTERIOR), EL GOBIERNO DE ESPAÑA-MINISTERIO DE ASUNTOS EXTERIORES Y DE COOPERACIÓN/ AECID.
Mayores informes:
Difusión y comunicación
difusionmacg@gmail.com
prensa.macg@gmail.com
Tels: 5550 6260 / 5550 3983 ext. 108
Fax: 5550 4232
En esta muestra se podrá observar desde los performances de los años noventa, caracterizados por la influencia del pensamiento y la práctica feminista, hasta piezas videográficas actuales que se conforman como “ensayos visuales” en los cuales María Ruido estudia algunas situaciones paradigmáticas de la sociedad, la economía y la política contemporáneas.
Esta Exposición se realiza gracias al trabajo conjunto entre el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (cgac), Santiago de Compostela, España, y el Museo de Arte Carrillo Gil, con la curaduría de Carles Guerra y Andrés Hispano
Esta exposición se realiza gracias a la colaboración de SEACEX (SOCIEDAD ESTATAL PARA LA ACCION CULTURAL EXTERIOR), EL GOBIERNO DE ESPAÑA-MINISTERIO DE ASUNTOS EXTERIORES Y DE COOPERACIÓN/ AECID.
Mayores informes:
Difusión y comunicación
difusionmacg@gmail.com
prensa.macg@gmail.com
Tels: 5550 6260 / 5550 3983 ext. 108
Fax: 5550 4232
martes 9 de diciembre de 2008
Primera Edición. Encuentro de arte y ediciones contemporáneas
Primera Edición. Encuentro de arte y ediciones contemporáneas
Jueves11 de Diciembre, 18:00 horas.
Primera edición. Encuentro de arte contemporáneo, es un evento que organiza el Museo de Arte Carrillo Gil en el cual habrá presentaciones y venta de libros de artista, revistas, proyectos editoriales, fanzines, múltiples y publicaciones dedicadas al arte contemporáneo. Este acto se llevará a cabo el jueves 11 de diciembre de 2008 de 18:00 a 23:00 horas, participan editoriales, museos, artistas, iniciativas independientes y distribuidoras, con el fin de promover el diálogo, la distribución y el encuentro entre los participantes de la actividad editorial como proceso y producto artístico.
En el marco de este evento, se llevará a cabo un programa de pláticas con invitados especiales como Martha Hellion, Magali Lara, Francisco Reyes Palma y Analía Solomonoff, quienes propondrán una visión de contexto y transformaciones actuales del trabajo editorial en el arte contemporáneo.
ENTRADA LIBRE
Lugar: Planta Baja, área de jardín y auditorio 3G del Museo de Arte Carrillo Gil.
Mayores informes: Coordinación de educación, Museo de Arte Carrillo Gil.
55 50 62 60 I 55 50 39 83 ext. 113 I Av. Revolución 1608 San Ángel I 01000,México, D.F.
Jueves11 de Diciembre, 18:00 horas.
Primera edición. Encuentro de arte contemporáneo, es un evento que organiza el Museo de Arte Carrillo Gil en el cual habrá presentaciones y venta de libros de artista, revistas, proyectos editoriales, fanzines, múltiples y publicaciones dedicadas al arte contemporáneo. Este acto se llevará a cabo el jueves 11 de diciembre de 2008 de 18:00 a 23:00 horas, participan editoriales, museos, artistas, iniciativas independientes y distribuidoras, con el fin de promover el diálogo, la distribución y el encuentro entre los participantes de la actividad editorial como proceso y producto artístico.
En el marco de este evento, se llevará a cabo un programa de pláticas con invitados especiales como Martha Hellion, Magali Lara, Francisco Reyes Palma y Analía Solomonoff, quienes propondrán una visión de contexto y transformaciones actuales del trabajo editorial en el arte contemporáneo.
ENTRADA LIBRE
Lugar: Planta Baja, área de jardín y auditorio 3G del Museo de Arte Carrillo Gil.
Mayores informes: Coordinación de educación, Museo de Arte Carrillo Gil.
55 50 62 60 I 55 50 39 83 ext. 113 I Av. Revolución 1608 San Ángel I 01000,México, D.F.
jueves 27 de noviembre de 2008
TALLER DE PIÑATAS
::Taller infantil: Piñatas::
Como parte de las actividades decembrinas el Museo de Arte Carrillo Gil te invita a su tradicional taller de Piñatas, en el que reflexionarás desarrollando tu creatividad y expresión. Artista invitado: Benjamín Guerrero
Dirigido a niños entre 6 y 12 años.
Fechas: sábados 6 y 13 de diciembre de 2008.
Horario: 10:00 a 13:00 horas, en el talller del MACG (Planta Baja)
Costo: $50.00 (incluye material)
Inscripciones abiertas.
Mayores informes: Coordinación de Educación Museo de Arte Carrillo Gil
55 50 62 60, 55 50 39 83 ext. 113 Av. Revolución 1608 San Ángel 1000, México, D.F.
Como parte de las actividades decembrinas el Museo de Arte Carrillo Gil te invita a su tradicional taller de Piñatas, en el que reflexionarás desarrollando tu creatividad y expresión. Artista invitado: Benjamín Guerrero
Dirigido a niños entre 6 y 12 años.
Fechas: sábados 6 y 13 de diciembre de 2008.
Horario: 10:00 a 13:00 horas, en el talller del MACG (Planta Baja)
Costo: $50.00 (incluye material)
Inscripciones abiertas.
Mayores informes: Coordinación de Educación Museo de Arte Carrillo Gil
55 50 62 60, 55 50 39 83 ext. 113 Av. Revolución 1608 San Ángel 1000, México, D.F.
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